Sopra, Nicola Malinconico, Il buon Samaritano.
Il Museo di Palazzo Pretorio di Prato ospita, fino al 13 Aprile 2020, la mostra “Dopo Caravaggio. Il Seicento Napoletano nelle collezioni di Palazzo Pretorio e della Fondazione De vito” che raccoglie alcuni dei capolavori degli artisti più rilevanti del XVII secolo.
Prato, Italia.
Palazzo Pretorio, centro della vita culturale e sociale della città di Prato, racchiude al suo interno tesori che raccontano gli influssi artistici che hanno contaminato lo spirito culturale della città: a metà del 1600, la famiglia dei Vaj apre al naturalismo post caravaggesco, accogliendo nella propria quadreria alcuni dei pittori che hanno raccolto l’eredità del Merisi, adattandola alla sensibilità del tempo. Grazie alla collaborazione con la Fondazione Giuseppe e Margaret De Vito, che raccoglie nella sua collezione privata le opere più importanti della Storia dell’Arte Moderna a Napoli, il Museo di Palazzo Pretorio di Prato apre ai suoi visitatori la mostra “Dopo Caravaggio. Il Seicento Napoletano nelle collezioni di Palazzo Pretorio e della Fondazione De Vito”, rivelando opere di incredibile bellezza e generalmente poco accessibili al pubblico.
Giovanni Battista Caracciolo detto Battistello, San Giovannino. 
Maestro dell’annuncio ai pastori
(Juan Dò), Vecchio con cartiglio.
I quattro nuclei della Mostra sono stati predisposti in sequenza cronologica, per accompagnare il visitatore nella transizione che ha condotto gli artisti napoletani dal naturalismo caravaggesco, che usa la luce e le ombre come guida emotiva nella lettura delle immagini dipinte, all’ingresso nel canone barocco grazie all’azione ed allo stile di Mattia Preti. La prima sezione introduce il visitatore nel percorso espositivo con le opere di Giovanni Battista Caracciolo detto Battistello: l’artista lavorò a diretto contatto con Caravaggio durante il suo soggiorno a Napoli e fu il primo ad importare nell’ambiente pittorico partenopeo il gioco di luci ed ombre tipico del movimento. Condotti dallo sguardo fanciullesco del San Giovannino (restituito nella brillantezza dei colori originali grazie alle operazioni di restauro cui l’opera è stata sottoposta prima della mostra), si arriva al Noli me Tangere, un’opera in cui il movimento del Cristo verso il non-contatto con Maria Maddalena si imprime con la forza di una scultura.
Il secondo nucleo espone le opere di Jusepe De Ribera e della cerchia di artisti che a lui facevano riferimento: con De Ribera il naturalismo caravaggesco viene completamente recepito dal gusto artistico partenopeo, tradotto nel maggior realismo impresso alle mezze figure umane rappresentate. Un posto d’onore viene riservato al Giovane che odora una rosa, attribuito al Maestro dell’Annuncio ai pastori: un dipinto intrigante, con una simbologia non ancora del tutto chiara agli studiosi. Un bocciolo di rosa portato all’altezza del viso (richiamo evidente all’iconografia dell’Olfatto raffigurato nelle serie dei cinque sensi), il fiore simbolo dell’amore, un volto androgino che non permette di definire con chiarezza se si tratti di un giovinetto o una giovinetta: non si può non rimanere stregati di fronte allo sguardo liquido che si protende verso l’osservatore.
Bernardo Cavallino, Santa Lucia. 
Jusepe de Ribera Sant’Antonio abate. 
Mattia Preti, Deposizionedi Cristo
dalla croce.
Il terzo nucleo rende omaggio alle figure femminili nell’arte: domina la pittura religiosa, che offre sguardi femminili forti e fieri, che resistono con stoicismo ad ogni forma di martirio, come nel Martirio di Sant’Orsola di Giovanni Ricca, che emergono dal buio inondando la tela di luce palpabile, come nel Sant’Agata di Andrea Vaccaro, che aiutano il credente a comprendere il mistero della fede con elegante teatralità (iconico in tal senso l’opera Cristo e la Samaritana di Antonio De Bellis).
A chiudere la mostra è la sezione dedicata a Mattia Preti, protagonista del panorama partenopeo e traghettatore dello spirito artistico del tempo verso l’arte barocca. E se i tre fanciulli dipinti nell’atto di chiedere l’elemosina tocca il lato emozionale ed umano del visitatore per il languore degli sguardi, la Deposizione di Cristo dalla croce è la perfetta sublimazione delle suggestioni create dalla mostra. Il corpo del Cristo è il solo protagonista, nel suo biancore inanimato: la prospettiva dal basso rende ancora più dinamico il movimento del corpo morto del Cristo, accentuato dai gesti protesi verso l’alto degli altri attori sulla scena. È l’inizio di una nuova corrente artistica, il Barocco, e di un nuovo segno dell’arte nella storia dell’uomo.
